갤러리까비넷은 2025년 10월 23일부터 11월 22일까지 그룹전 《Parthenon of Units - 단위의 파르테논》을 개최한다. 이번 전시는 회화·공예가 각기 다른 언어로 다루어 온 ‘단위’를 출발점으로, 그것들이 배치되고, 쌓이고, 이어붙여지며 하나의 질서를 이루는 과정을 탐구한다.
전시 제목의 ‘Parthenon’은 고대 그리스가 추구한 이상을 가시화한 건 축물로 이번 전시에서 개별 단위들이 합을 이루어 균형과 조화를 형성하는 이상 적 구조를 상징한다. 박영환, 이명진, 조희진 세 작가는 서로 다른 단위를 다루지만, ‘배치하기·쌓기·이어붙이기’라는 구축의 문법을 공유한다. 전시장은 단위들의 다성(多聲)이 하나의 호흡으로 숨쉬는 현장을 드러내며, 단위들은 모이고, 만나고, 부딪히고, 스며들며 서로의 결을 조율하고 하나의 질서로 응결한다.
박영환 작가는 한지 위에 먹의 스펙트럼과 ‘프레임 안의 프레임’이라는 화면 설계를 통해 가상의 풍경을 건축적 장면으로 변환한다. 작가의 단위인 검은 구(球)는 삶의 기원에 가까운 표식으로서 시간의 결, 스쳐간 인물과 감정의 잔여를 응축해 화면 곳곳에 놓인다. 검은 구체와 대비를 이루듯 화면을 덮는 눈(雪)은 한지를 긁어내어 만든 표상으로 기억을 덮고 드러내는 촉각을 남긴다. 창 밖으로 보이는 엉킨 가지나무의 풍경은 실타래처럼 이어지는 과거의 사건들을 상기시키며, 작은 인물과 그림자는 작가의 삶에 실존했던 대상의 무게를 환기한다. 그 결과 풍경은 재현을 넘어, 기억이 비치는 무대로 선회한다.
회화 속에서 구축한 ‘단위의 서사’는 이후 공예로 확장된다. 박영환 작 가의 화면에서 구(球)로 배치된 건축적 감각은 이명진 작가의 작업에서 수직과 수평의 질서로 변주된다. 이명진의 단위는 모듈(Module)이다. 결합부를 지닌 모 듈은 코일링(Coiling)으로 한 줄 한 줄 올린 점토가 서로 맞물리며 결구되고, 스 툴과 기둥 등으로 증식한다. 수직과 수평의 단차, 선과 면의 교차는 반복될수록 건축적 매스(Mass)를 획득하고, 질감 또한 실제 건축 재료를 환기한다. 공예적 디테일은 스툴과 조명, 캔들홀더 등의 쓰임과 색 속에 구현되어 미적 조형 또한 잃지 않는다. 이명진의 모듈은 자연과 건축의 공예적 변주를 일상 속에 구현하면서, 모듈링(Moduling)을 통한 관계가 만들어내는 건축과 공예의 시(詩)를 새로운 실루엣으로서 실험한다.
모듈링에 이어 공예의 또 다른 구축 언어로 작가 조희진의 원형 점토들이 등장한다. 조희진 작가의 단위는 원형의 점토이다. 작가는 흙이 마르기 전의 짧은 시간에 원형 조각들을 이어 붙이며, 부분이 서로를 지탱해 전체를 이루는 과정을 기록한다. 두께와 결이 조금씩 다른 조각들은 반복과 변주를 거치며 호흡하는 피부가 되고, 빛과 공기를 통과시키는 환대의 표면을 형성한다. 작업은 고정된 형태라기보다 유연한 흐름을 전제로 하며, “어떻게 스스로 중심을 세우고 하나를 이룰 수 있는가”라는 건축적 질문을 흙의 시간과 손의 리듬으로 답한다.
세 작가의 단위는 서로 다른 기원과 물성을 지니지만, 전시장 안에서는 각각의 단위가 배치와 집합, 구조로 이어지는 연쇄를 이룬다. 단위들은 모이고, 만나고, 때로는 부딪히고, 끝내 스며들며 하나의 이상적 합(合)을 구축한다.
《Parthenon of Units- 단위의 파르테논》은 “다름이 어떻게 하나의 질서를 이룰 수 있는가”라는 오래된 질문을 오늘의 재료와 방법으로 다시 묻는다. 여기서의 서사는 말보다 먼저 형태의 리듬으로 쓰이고, 각각의 단위가 맺어가는 관계의 결과로 나타난다. 단위들이 만들어내는 이 조용한 조화가, 각자의 세계를 지키면서도 서로에게 자리를 내어주는 한 시대의 감각으로 남기를 바란다.
Gallery Kabinett presents the group exhibition 《Parthenon of Units》 from 23 October to 22 November 2025. Taking “the unit” as a point of departure, long treated in distinct languages by painting, craft and object, the exhibition traces how units are placed, stacked and joined to generate a shared order.
In the title, “Parthenon” invokes the edifice that gave visible form to ancient Greece’s ideals; here it symbolises an ideal structure in which discrete units cohere into equilibrium and harmony. Although Park Young-hwan, Lee Myung-jin and Jo Hee-jin each work with different units, they share a common grammar of construction: to place, to stack, to join. The gallery becomes a site where the polyphony of units breathes as one; units gather, meet, collide and permeate one another, attuning their grains and condensing into order.
Park Young-hwan transforms imagined landscapes into architectural scenes through an ink spectrum on hanji and a compositional device of “a frame within the frame.” His chosen unit, the black sphere, appears across the picture plane as a sign close to life’s origin, condensing the grain of time and the residue of passing figures and emotions. In counterpoint, snow blankets the surface: a tactile register produced by scraping the hanji, alternately veiling and revealing memory. Branches tangled beyond the window recall past events that unravel like threads, while small figures and shadows summon the gravity of subjects who once inhabited the artist’s life. As a result, the landscape shifts beyond depiction, circling back as a stage upon which memory is cast.
The narrative of units established in painting then extends into craft. The architectural sense Park arrays through spheres is re-variated in Lee Myung-jin’s work as an order of verticals and horizontals. Lee’s unit is the module. Bearing joints, these modules are built by coil-building (coiling), lengths of clay raised line by line, interlocking and bonding as they proliferate into stools, columns and more. Offsets between vertical and horizontal, and crossings of line and plane, accumulate through repetition to acquire architectural mass, while textures evoke real building materials. Craft detail is articulated in the chroma and use of stools, lighting and candle holders, without forfeiting sculptural clarity. Lee’s modules translate nature and architecture into a craft-based variation within everyday life and, beyond a restricted method, experiment with the poetry of architecture and craft through modular assembly, yielding new silhouettes.
Extending the language of construction further within craft, Jo Hee-jin introduces circular clay units. Working within the brief interval before the clay dries, the artist joins round fragments edge to edge, recording how parts buttress one another to constitute a whole. With slight shifts in thickness and grain, these pieces, through repetition and variation, become a breathing skin, forming a hospitable surface that admits light and air. The work presupposes flow rather than fixity, answering the architectural question, “How might something set its own centre and become one?”, through clay’s temporality and the rhythm of the hand.
Though the three artists’ units originate in different materials and natures, within the exhibition they form a chain from placement to aggregation to structure. Units assemble, encounter, sometimes clash, and ultimately permeate one another to construct an ideal concord.
《Parthenon of Units》returns to an old question with today’s materials and methods: how difference might compose a single order. Here, the narrative precedes words, written first in the rhythm of forms and emerging as the outcome of relations forged between units. May this quiet concord, made by units that keep their own worlds while making room for others, remain as a sensibility of our time.
